怎样欣赏印象派的画作

印象派是十九世纪七十年代，从法国一批画家孕育出来的画派，包括莫奈、雷诺阿、毕沙罗、西斯莱、德加、塞尚、莫里索等人，在西方美术史上占有极重要的地位。印象主义还孕育了新印象主义，代表人物是大名鼎鼎的梵高和高更

。

    在西方美术史的长河中，我知道的人名很有限，除了个别最顶级的画家如达芬奇、毕加索之外，让我记得最多的画家名字，就来自这群印象派和新印象派。

但是，尽管记住了不少印象派的人名，而且特别崇拜其中梵高的人生经历，但是说老实话，我对他们这一派的画作，却不大欣赏，或者谦卑地说，欣赏不了。

    印象派的画，给我的感觉，好像画面总是模模糊糊，各种景物的边界含混不清，或者歪歪斜斜。我觉得，画家嘛，总是先要把人物、景致画准确了，让人看清楚，然后才谈到美不美，能不能感染人之类的。如果景物都画不清楚，好像故意搞怪涂鸦似的，有什么好？！实在欣赏不了。

直到我前些日子看了这条介绍莫奈的微信文章，才明白了这些画为什么要画得模模糊糊的含义了，也似乎一下子懂得该怎么欣赏他们了。

    印象派为啥要画的模模糊糊呢？这要从印象派的得名说起。

1870年代，身在巴黎的莫奈和一帮性情投合的画家们，把他们的作品放在一起展出，结果遭到了当时的艺术评论界的尖锐嘲讽。讽刺的理由，就是嫌他们的画不写实，画面交代得不清楚（可以说，这种批评和我对这些画的吐槽是一致的）。其中，这些美术批评家们专门挑出莫奈当时展出的一幅画------《日出·印象》作为攻击的典型，说这帮人干脆叫“印象画派”得了。这也就是印象画派命名的起源，原来，“印象派”本来是一个带有讽刺性的标签。

    但是这个讽刺性的标签，却道出了这个画派的一些最本质的特征。

    那么，印象画派到底为啥要把景物画得模模糊糊呢？我们就拿莫奈的绘画做典型来分析。据说莫奈早年受到一个画家布丹的影响，这个人的话，成了莫奈后来画画的指导思想。其内涵大体有三个要点：

    第一，室外作画与印象。

    在印象画派出现以前，画家们都习惯在室内作画，或者把在外面看到的景物回忆出来，找到其中最清晰的画面感，再到画室里给它复原起来；或者直接在室内摆好景物、模特，调好光线，然后作画。这样做，当然是力求人物景致的清晰准确。

    但是，莫奈的导师却认为，这种传统画法其实恰恰不真实。就好像现在所谓用摆拍的方式拍摄一个人像，虽然很准确，却不是这个人真实生活中的模样。

    同样道理，真实的景物是啥样呢？当然是我们在外面看到的样子。比如说清晨日出时分，水里飘着的一条船，那真实的船肯定我们在当时当地看到的样子，而不可能是我们看完以后，回来根据回忆画出来的样子。

    所以，布丹就告诉莫奈，一定要到室外作画，一定要根据室外看到的印象，在第一时间把它画下来，也就是根据第一印象画画，这样才是最鲜活最真实的画面。

    第二，印象与光。

    但是，画家在室外凭第一眼得到的印象来作画，立即就遇到一个技术问题。那就是光的问题。画画先要观察，但是如果没有光线，则景致的线条轮廓、色彩，全都无从谈起，这是常识。但问题是，和室内的精心布置不同，室外的光线是随时变化的，而且这种室外光有可能让同一景物呈现出不同的色调，而且还可能将一些景物的轮廓和边界搞得模糊不清。比如树叶子本来是绿色的，但是在强光直射下，就变成一片斑白了。海水本来是蓝色的，但在光线昏暗时就呈现为黑色。而且这些色调经常随光线而变化。所以，当我们在室外作画，凭在室外观察到的第一印象（而不是我们回忆出来并经过大脑加工过的印象）来作画，就有可能出现与日常理解的绘画完全不同的两个效果：其一，景物的颜色往往不是我们日常认同的颜色；其二，画面可能要比较模糊。

    第三，印象之美。

    但是这样就又引起一个问题，既然在室外凭第一印象观察到的景致这么模糊走形，那为啥还非要这样画呢？为啥不回到室内，根据摆拍的景物，或者根据头脑中的回忆（再加上日常印象的加工过滤）来作画呢？那样画出来的画岂不是缺乏美感吗？

    这就涉及到印象画派的路子到底有没有艺术价值的问题，也涉及到我们究竟应该怎样欣赏印象画派的问题。

我们先来想一想，其实在现实生活中，真正能够打动我们的，往往都是景物的鲜活样子，好比游在水里的一条活鱼，肯定比一条死鱼能打动我；山川景色的美，也是由于我们身临其境，才能“触景生情”。

所以，当我们走到室外，看到某一个特定的场景、我们一下子感受到了它的壮丽之美、凄凉之美、温和之美，……总之是一切可能打动我们的情景。那是不是我们应该尽快地把景物当时给我们的那种美的感触，给它捕捉到画布上呢？！

    反之，假如我们在外面看到一个景物，很美，但是当场没画，而是跑回画室，根据回忆再画，那么当时打动我们的情景意境肯定会在一定程度上失散。更遭的是，如果我们再把景致中的物体，根据我们常识认同的形状和颜色给加工出来，这样看起来，景物是画得准确了，但是我们原初印象中，景致之所打动我们的那种动人感，却严重地被侵蚀得面目全非了。

    明白以上三点，我就懂得为什么我过去总也不能欣赏印象派作品了，为啥老觉得他们画得太乱了；也就懂得欣赏印象画派作品的窍门了。

    简单地说，脑子里不要总是预设并专注于那些景物的模样是否准确，而是关注这些模模糊糊的画布究竟给我们呈现出来了什么感觉。

印象派（英文：Impressionism），是于1860年代法国展开的艺术运动、画风。印象派的命名源自于莫奈于1874年的画作《印象·日出》，遭到学院派的攻击，并被评论家路易斯·勒罗伊（Louis Leroy）挖苦是印象派。印象派绘画是西方绘画史上划时代的艺术流派，19世纪七八十年代达到了它的鼎盛时期，其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地，但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。19世纪后半叶到20世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨制，例如，马奈的《草地上的午餐》、莫奈的《印象·日出》、凡·高的《向日葵》等。

印象派运用相对小而细但显而易见的笔触、开放的构图，强调对光线变化的精准描绘，扑捉大自然变化的瞬间。正是为了突出对瞬间的捕捉，印象派构图随意，表现画面的偶然性，增加生动的气氛，表达的是画家内心的主观印象。要说如何欣赏，可以从下面几个方面考虑：

主题

考虑画作的主题。与传统的表现皇室、神话、历史现实主义的画作不同，印象派专注于当下的世界，尤其是自然景观，印象派所画的人物也都是日常生活的人们而非专业的模特。

Girls in A Boat —— Claude Monet

这幅画创作于1887年，莫奈恰巧抓住了两个女孩谈话的瞬间，左边的女孩微倚在船尾，右边的女孩双手撑在船舷上侧过头去说话，整个画面表现的就是生活中不经意的一幕，也许是莫奈的一瞥就产生了创作的灵感。

审视光源。光线在画布上的体现是印象派画作的核心，注意特别的光线呈现方式，比如树叶间透过的光、水面反射的光。

光源

审视光源。光线在画布上的体现是印象派画作的核心，注意特别的光线呈现方式，比如树叶间透过的光、水面反射的光。

The Bodmer Oak Fontainbleau Forest —— Claude Monet

光线从天空直射下来，透过树叶间隙，洒落在灌木丛上形成。

色彩

观察绘画中的色彩。印象派画家善于运用多种色彩，尤其是在充满活力的阴影中。他们直接将未经调和的颜料画在画布上，让欣赏着自身用肉眼去混合这些颜色。

Path in Monets garden in Giverny —— Claude Monet

让眼睛从整体上去看画作，而非去看画作中的每一个部分。试图体会画作的整体情感和气氛，感受画家想要传达的感情，是宁静平和，是喜悦，是期盼，还是疲惫。

PS：并不精通印象派的画作技巧，以我个人的一些浅见为大家做一些粗解。

我的方法是
1，找找关于印象派的理论书籍
2，网上搜搜印象派
3，读读西方美术史或者西方绘画史或者欧洲绘画史